黛黛的辛苦的工作人員們IEM初體驗!! 看看那些發亮的眼神~~~
按:IEM=In Ear Moniter
無線監聽系統的意思
#按
Frandé, 法蘭黛樂團
iem監聽系統 在 黃中岳談吉他 Facebook 的精選貼文
{{ 肆. 談談現場演出實務經驗 }}_05
隨著展演場地的擴大,在類似TICC國際會議廳或小巨蛋這樣大型空間舉辦的現場音樂演出越來越多,對於音響工程人員要克服的場地問題也越來越複雜;早年在這一類的場館演出時,樂手的主要監聽系統還只有地板監聽的條件下,如何能讓每一位樂手都能在自己的監聽裡得到理想的樂器平衡,真的是一個非常困難而耗時的工作。更多時候我們會要面臨的是,因為場館巨大的聲音反射干擾,樂手的監聽必須壓制過現場PA所產生的回音時間差,但也因此非常容易造成從歌手麥克風所『必然』會擷取到的音源,而形成回授的元兇;但如果沒能壓制掉現場PA所產生的回音時間差,任何有經驗的樂手都知道那會是什麼樣的工作悲劇。並且,除了極少數的鼓手會採用Shaker音色的節拍器,讓Click勉強可以從地板監聽播放出來、來協助樂手整合速度拍分之外,在這種條件的演出環境,很多時候你甚至必須依賴視覺、看著鼓手的動作,才能在一片汪洋的聲音浪潮中,勉強維持住整個樂團的穩定性。
所幸,那已經是上一個時代的過去。現在的專業工作條件,應該都已經進化成『個人化監聽系統』搭配『耳道式監聽耳機』的作業方式了:音響工程人員將每一位樂手的訊號取得足量的放大,再將所有樂器訊號分軌回送到樂手身邊的小型訊號控制臺,樂手各自佩帶完全阻絕外界聲音的密合式的監聽耳機,各自去調整自己希望的聲音平衡;這麼一來,立刻克服了場館的聲音時間差,以及完全去除掉地板監聽的聲音來源,這會讓音響工程人員所需要顧及的變因大大地降低,尤有甚者,如果能將吉他、鍵盤與貝斯音箱搬離舞台區,其實,音響工程人員應該會有非常好的機會,讓現場觀眾聽到層次更分明清晰的聲音演出。
而如果我們已經在討論這種IEM系統(耳道式監聽),我推測你應該已經克服過不少棘手的工作環境與條件,應該是一位很有經驗的職業型音樂工作者了,照理說,你一定會有自己的一套工作標準,不必我多做什麼提醒;不過,如果從經驗交流的觀點來看,也許我們可以彼此參考一下對方的做法。
[一. 與音響工程人員的工作互動_05]
1. 各樂器的定位:現在在臺灣的音響器材供應方面,這一類型的監聽系統大概都已經進化、更新到16個stereo的訊號軌道;於此同時,甚至包括吉他手,也越來越多樂手會採用stereo的收音方式;但如果由音響工程人員所整理出來的鼓組(stereo)、打擊樂器(為了聲音的畫面感,通常都會是stereo)、鍵盤(很多時候會是兩個鍵盤手的兩個stereo)、Program(這類型的預錄聲音裝置,幾乎沒有意外都是stereo),以及新型態的吉他手(最近我就遇到同時有倆位吉他手都是採用stereo收音)的所有聲音訊號,如果你也都是採用開放的stereo位置來調整各樂器的音量平衡,你會發現,其實所有的『聲音成像』都像是集中在頭部中間,其實是很難去做更好的層次區分。我比較建議的是以音樂製作時的『Mix』觀念來處理這些樂器的定位:
A. 鼓組:其實在現實的世界裡,鼓組的聲音定位寬度不會是stereo所能提供的那種9點到3點極左、極右的畫面,在現場演出時,我比較喜歡將鼓組限縮在11點到1點的範圍,來讓鼓組與貝斯樂器形成一個比較緊密的區塊;如果我所合作的鼓手能夠讓我選擇整個鼓組的擺放面向,我會習慣採用Hi-hat偏向右邊的『觀眾定位』。如果我們同時會有打擊樂器手,我會將他的定位擺在10:45到1:15這種略寬於鼓組的畫面。
B. 貝斯:通常這會是一個Mono的訊號,我習慣放在12點位置,除了上述與鼓組形成『節奏組』的區塊之外,同時,也做為工作進行中、Vocal的一種支撐。
C. Program:這個原本是輔助功能、近年卻幾乎快要取代掉樂手的音樂工具,因為內容大多是現場不易執行的樂器或特殊聲響,以及一些特殊定位處理的樂器(譬如Loops),所以我會把9點到3點的這個最寬的寬度留給這個樂器。
D. 鍵盤組:如果我們有倆位鍵盤手,通常會是一位主鋼琴、一位主電氣鍵盤;在定位上,我會把鋼琴放在10:30到1:30這種略寬於鼓組的位置,而另外一個會有更多音色變化的鍵盤放在10點到2點的寬度來包覆主鋼琴。
E. 吉他組:如果聲音訊號源都是Mono,我會採取左右對稱的方式,視頻率的狀態來決定各自的偏向。而如果有任何一組以上是stereo訊號源,我會將這個stereo限縮成略寬於鼓組的寬度,再整個做向左或向右的偏向。也就是說:即使我自己也是一位吉他手,我在工作時的監聽,常常是偏向在某一邊的;而我個人的喜好,是將自己偏向右邊。
F. 和聲組:我會習慣將和聲組緊貼著主Vocal,大概拉開約莫左右15分鐘的定位,這真的會讓主Vocal好聽很多。
G. 主Vocal:呃…如果這個不是在12點鐘方向,好像有點兒不太對勁~
2. Click:這個維持音樂穩定最重要的工具,不論是來自鼓手或來自Program,在對完彼此的音量平衡後,我習慣將它放在我的極左邊。這個選擇來在兩個原因:
A. 很年輕的時候,我讀過一篇普科報導,它說明了人類的左耳對於聲音的反應,敏感度優於右耳;這次我整理筆記時,勉強只能找到一些不算是非常正式的報導:
https://kknews.cc/zh-tw/health/me33r2.html
https://swgwsm.51240.com/weishimezuoertingjuebiyouerqiang__xswgwsm/
因此,相較於右耳,我可以用較低的音量就感知到Click的存在。
B. 來自於年輕時在錄音室錄木吉他的訓練。由於我是慣用右手,所以木吉他的收音麥克風會是對著在我身體右側的吉他音孔;而錄音時非常需要檢查Click的串音問題,因此,我會下意識地將Click放在距離麥克風位置最遠的左邊。
而因為上述兩點所採行的Click擺放位置,其實在整個工作中會形成一種有趣的平衡:左邊的Click告訴我絕對的速度,而我可以聽到自己的樂器在偏右的狀況下與它的誤差;同時,鼓組的Hi-hat也是偏向我的右邊,我可以去校正自己與這位鼓手的『呼吸感』,來建構比較人性化的Groove。
因為,音樂最終是來自於你與你的樂手彼此的互動,而不是單純的『準度』。
3. 與外界的互動:當你使用了隔絕外界聲音的密合式的耳機,有太多在現場發生的事件,你會渾然不覺;比較理想的方案是你的Band Leader應該要配置一組Cue Mic,我會建議你也把它擺放在你的極左邊,用來提醒你任何突發的事件;另外一個關鍵,應該是要注意避免自己過度沈溺在自己的世界,而忘記了與你的樂手該有的音樂互動。
關於這一點,我所尊敬的華語音樂大師鍾興民先生有著非常強烈的觀點,他認為時下的職業樂手很容易因為自己所主觀調整的音量平衡,會一定性地影響了彈奏的力度與音色,因而反而使整體的音樂缺乏所有樂手共同的呼吸感,使音樂的起伏受到相當程度的損害。從邏輯上來說,我完全支持Baby老師的論點,而這個非常人性曲線的音樂能力修煉,應該就是『職業』樂手與『專業』音樂家的那種若有似無卻又涇渭分明的分野吧。
4. Vocal:我看過太多的歌手不是太能適應這一類型的監聽工作模式,原因來自於:
A. 不論如何緊密、甚至是以自己的耳道來開模製作的耳機,都會因為演唱時的口腔動作連動到耳道的肌肉,造成耳機並不是一直處於完美密合的狀況,因此,來自於外界的聲音干擾會非常嚴重地影響聆聽與演唱的狀態;目前唯一比較可行的解決方案,應該是採用較大的耳機外殼、用耳殼的輪廓來限制耳機鬆動的範圍。
B. 但其實,我一直不是很理解為什麼歌手在耳機裡所聽的音樂內容,常常是交由現場的音響工程人員來調整,而不是自己有一組自己可以控制的系統、由自己來調整,而在演出時請音響工程人員做總體音量適度的增減。當然,如果你的工作級數已經是這樣的境界:
https://www.youtube.com/watch?v=fy181sMH8gw
我覺得一切都好極了!但如果你相對於這個狀況還有一些距離,我真的建議,做為一個主要的『演出焦點中心』,提早一點時間到場,與你的樂手一起做Sound Check,一方面可以調整出一個自己比較有安全感的聲音平衡比例,一方面也認識你的樂手與你的聲音頻率互動的過程,這應該是讓整個音樂演出都更能提升水平的做法吧?
以上。
我深深相信,隨著科技的進步,一些在器材面向上、我們還覺得不是那麼方便的事務,一定會在未來取得我們現在難以想像的巨大進步;但到了那個階段,我們在音樂上的進步,真的追得上那些硬體的演化嗎?為什麼會想要現場演出呢?為什麼會想要與觀眾分享那些獨一無二的時刻呢?你、我的內在,真有那些非表現出來不可的慾望與衝動嗎?如果沒有,再強大的硬體技術、再好的工作人員,恐怕都沒辦法為這樣的音樂內容增加絲毫的顏色。在我們開口向工作人員要求技術支援之前,也許,我們都應該再想想自己究竟有沒能扮演好自己的角色。