其實樂團一直都在，甚至現在獨立樂團、創作樂團還比以前更多，許多團也都擁有很多死忠的歌迷。
但如果我們用電吉他的角度來看，以當今全球最紅的樂團Coldplay和Maroon 5為例，如果我們連他們吉他手的名子或是使用的吉他牌子都不知道的話，就更不用說知道他們各自有什麼經典Solo，或是代表性的樂句手法音色...那樂團吉他手在整個當代音樂的定位上，就可以說是退到史無前例的後面去了…以前的夯團從Led Zeppelin、Deep Purple、AC/DC、Queen、Van Halen到Bon Jovi、槍與玫瑰、X Japan...那一團的吉他手不是鼎鼎大名的人物，擁有強烈的個人風格，成為大家公認的搖滾巨星。
當然，這可以說是流行音樂的輪替沒有錯，但對於曾經被那些巨星電到過的我們來說，就會覺得現在的年輕人真的很可惜，沒有機會很容易的就接觸到這些東西，除非自己去Youtube找，但如果你連基本先聽到的機會都沒有，就也不會去找這些資料了 (除非奧運有電吉他比賽，然後台灣選手勇奪銀牌之類的)...
而這裡我所指的年輕人是大部分的年輕人，不是專門聽金屬或彈電吉他的極少數尖端樂迷，因為在以前的樂團音樂中要聽大段的吉他Solo和Riff是非常普遍且必須的，更不用說像Hotal California或是Still Got The Blues這樣為了吉他才去聽的歌曲，現在很多當紅的樂團歌曲不用說破音了，連有電吉他的聲音都是一種奢求 (偶爾出現的clean tone鋪底伴奏我就當作是沒有了) ...「搖滾已死」是一個大方向，更精確一點來說是「電吉他已死」，去逛士林夜市或西門町一圈要是能聽到一段電吉他Solo真的可以買樂透了。
相較於歐美日市場，我認為台灣的電吉他是連風行都還沒風行過(所謂風行至少要像現在的饒舌這樣)，大家太少機會去聽到或認識這個搖滾樂中的靈魂樂器，一個樂團不管紅不紅大家都還是只認識主唱，大部分的民眾還是覺得電吉他是牛鬼蛇神，是很吵的東西，木吉他彈唱才是正常人聽的音樂 (指彈Fingerstyle因為技巧多、沒唱歌，有時竟也能被歸類在吵的那一掛)...所以在台灣常常都是高中熱音社瘋一下，然後退伍之後就慢慢的把電吉他放到長香菇，成發的那一場就是搖滾人生的最高峰了...
以前沒有、現在沒有，不表示以後不會有。我相信電吉他的爽度不會輸給現在的電音和饒舌，電吉他的音色可以有千百種，不會少於電子合成器，最重要他是用人的手在弦上一個一個音彈出來的，聽聽看Gary Moore的藍調，每一個音都是用生命在彈奏，每當夜深人靜，獨自聽著歌曲的層次堆疊，進行到最後的高把位推弦炸裂，都不禁淚流滿面...雖然電音和饒舌很多也不錯聽，音色很炫節奏很帥，但就不能帶給我這種感覺，那種打到內心深處的感覺，你會決定一輩子跟隨它。
這次的「搖滾已死」音樂會，可以當作是一個好的開始。除了我們，也一定還會有其他吉他手繼續做類似的推廣活動，相信經過更多人的投入、更多的競爭，一定會有更多有天分的人冒出來，誰都不知道下一個像王建民或戴姿穎的台灣之光會不會就這樣誕生了…衷心期盼台灣在電吉他這個領域能和世界接軌，擁有我們自己的Guitar Hero。
#搖滾已死
#了嗎
創作樂團 在 [心得] 如何開始幫樂團創作出自己的歌曲- 看板RockMetal 的美食出口停車場
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如何開始幫樂團創作出自己的歌曲
(2014年3月13日 7:41)
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如同標題所打
我覺得在台灣有很多人在一開始玩音樂對於編曲創作上的概念真的是不知所謂
雖然我自己也只是還在起步進行中的階段，
但對於一些想法我心中其實已經有個明顯的底。
而這些是我自己思考與經歷好一段時間後的一些感想，
同時也剛好能幫助到我的團員，所以想花時間打出來
希望對於在一開始想要著手進行音樂創作上的人能派上用場
1. 《自我標準》
今天寫歌搞創作不是只寫給自己爽，也要寫得有意義、有方向、有深度、有味道
除了要讓自己聽了滿意以外，也要讓歌曲獲得 "服務對象" 之樂眾的肯定
這些標準在一開始就要建立，而且要設在自己能力所及的範圍再上去一點
這樣才能知道自己的歌有沒有符合自己當初的期望，
進而讓自己的創作吸收批評並改進，讓自己知道有哪些地方有處理更好的空間。
2. 《自我認知》
自己不可能從剛開始起步的時候就寫出一個屌樂句，神編曲；
音樂創作跟所有創意相關的職業相同，需要從創造出一堆狗屎之中來累積經驗
所以要接納挫折、廣聽批評、並感激自己過去所寫出的那些低能樂句
記得，要把自己寫出的那些狗屎樂句果斷砍掉，並且保存收好，
讓往後的自己回來聽的時候可以瘋狂大笑；
創作的能力就是培養一種日積月累，
首先要培養的是自己對於音樂的品味與鑑別度。
當你能鑑別出什麼編曲跟手法有水準、有新意、有背景，才會寫得出好東西。
而這種能力跟時間的累積有關，要多聽、多看、多彈、多唱，
而音樂聽得廣很有幫助；但要切記，音樂聽得廣只是輔助，
你也要在 "你想玩的曲風上" 聽得專精透徹才行。
然後你一開始不能毫無效仿對象，尤其在剛起步的時候。
你一定要給自己找出一個理想的框架，去引導自己；
並且在參考的同時另外找出自己鍾愛的手法並且改造研發出自己的東西與味道
否則在剛起步的時候你會像一隻無頭蒼蠅、毫無方向，
寫出一堆四不像的難聽狗屎，又或者一個不小心就寫出一首東拼西湊的抄襲之歌
3. 《自我否定》
要知道自己寫得東西哪裡有漏洞，哪裡不夠好
要去嘗試寫了幾百段RIFF、寫了千百種不同種意境的歌詞去做搭配
哪怕只要有一個不好聽，一個不match，就要毫不猶豫地立馬打槍自己
因為當你還需要透過別人來跟你說你這東西哪裡不好、哪裡怪的時候，
就是代表著自己還不夠到位。因為今天創作若寫得不好、不夠，
自己應該要是最先知道的那一個。 這很重要，我在重申一遍：
「若自己的東西不好、不夠，一定要努力試著讓自己成為第一個知道的那個」
因為即使你已經盡力發揮出自己目前最極限的能力，
也還是該清楚知道跟更高等級的作品比哪裡是相較遜色的
你不該等著別人來挑你缺點，應該要努力建立起自知之明
即使你知道你已經寫出目前能力所及的緊繃上限，也要培養出明察秋毫的能力。
因為對於音樂創作，永遠不要陷在自我滿足中
創作的水準與等級是永遠沒有上限的，而難聽的指數也可以是沒有極限。
4. 《跨出第一步與樂見批評》
對比著上一段所言；倘若你還沒有跨出第一步當作起頭，
就不能過度的猶豫不前與否定自己。這必須要拿捏的恰到好處。
因為對於自己的第一首不能太隨便就按下儲存送出，
但也不能過度拘泥於同一個缺點上因無法立即改善而兜盡圈子。
我的建議是，同步進行：
你可以先讓自己目前的極限成為一首歌，錄好給別人聽。
然後開始不斷的接受批評與建議，這一開始的心態就要對：
「現在努力完成的這一首歌只是為了讓下一個作品能夠更棒的一種犧牲」
而不是第一次弄好一首完整的歌，見到批評就要開始惱羞反擊，
對於那些批評，你這時候不能只想著過去付出的那些心血，
不能只想著親朋好友與支持者的認同以及鼓勵而已，
更不能只想著自己跟團員好幾夜的努力與付出就這樣被別人輕易的否定、批評踐踏。
因為事實是－
就算你編出一個連上帝都認為是完美的作品，也還是會有人按不喜歡的
所以幹嘛計較？反過來，倘若你把那些反對的意見，點出的缺點加以吸收轉化
你一定會愛死那些反對的聲浪，因為這真的可以讓自己更快速的成為神人。
因為這幫助有兩種：一種批評是實實在在的點出弱點，幫助自己更清楚地知道缺陷；
而第二種是就算碰到的批評是單純的hater，也要覺得很爽。
因為他們絕對會讓自己更渴望去追求進步以及完美。
5. 《全能樂手》
我認為玩音樂絕對不能只會其中一種樂器、也不能只會其中一兩個位置，
更不能只看得到其中一兩種視角，或在過程中只當了其中一兩種角色。
因為要弄出好的作品，眼光一定要更全面。
你今天想要創作，你一定要從主唱吉他貝斯鼓到錄音後製想盡辦法略知一二
你不能只會編吉他RIFF只會唱出旋律吼出拍點只會點BASS根音只會寫DRUM LINE
你一定要試著一步步了解一首歌從開始到最後的所有過程以及位置與編曲搭配上的各種角
度。
你可以不是很會打鼓，但你仍然可以研究鼓的編曲與搭配樂器的不同手法；
你可以完全是音癡，但仍然可以試著用你的吉他勾畫出一個主唱的旋律線；
你可以不會彈吉他貝斯，但學個半年不到就能了解基本手法，何樂不為？
你可以不是錄音師，但終究得認識錄音的設備與概念以及培養宅錄的經驗。
因為記住如果想要進入最高境界，當個全能的樂手是必經之路！
6. 《團隊合作》
一個樂團的創作必須有明確的方向，
可以是由一個能寫出最完整創作的人來當作領導。
而團員間對於創作的意見更應該是一種肆無忌憚朝著彼此臉上瘋狂亂射，
然後同時幫著對方扛下子彈的概念。
因為如果對內都和樂融融的沒有人要去爭對缺點來開槍，怎麼會有磨合？
如果沒有磨合，自己樂團的作品怎麼還會完美、怎麼還能扛的起外面各種過程中的各種聲
浪嗎？
團員的意見永遠要擺在最前線，永遠放在第一拍，是要跟自己的意見同步進行的。
要非常重視並且仔細思考，對內要集思廣益，對外要目標一致，同時要有一個人來勇敢作
出決策。
因為在團員間的創作能力很少能拼湊成同一個頻率的，
一定會有較優越與較弱勢的存在。
就像第二段《自我認知》中有提到，
創作水準必須要靠時間與自己創作過的數量來累積，
所以在國內外都很少能有一個團會擁有相同創作水平的團員去湊成一團
而這裡有很重要的一點要講，我自身的經驗是
我過去曾待過一團，我大概是樂團裡創作的副手，是團裡創作編曲上的第二位
而後來待的團主要就是靠自己一個人去嘗試；
當初最常發生的意見衝突就是我跟主寫者的意見不同，因為聽得東西不太一樣。
而編曲能力與喜愛手法也有差距；而我過去時常不能理解我的東西為何不被參考
所以這邊有很重要的四點要講：
第一「相同頻率」：
一個樂團的創作群最好能擁有相同喜好的頻率，
可以不用完全相同，但必須也要有重疊的愛團，
簡單來說就是要聽、並且喜歡同樣的歌。
至少要有愛好過相近的曲風，並且研究的時間與喜好的程度都要相當，
符合這種概念的團隊才更能讓創作在合作上相得益彰。
第二 「 領導者的尊重」：
在團內較會創作的人因為擁有比較高的音樂鑑別度及視野
通常能在第一時間看出團員間彼此提供出的作品優劣。
這時不能只顧著捨棄，要試著帶領，容納並修正
同時提供不同意見並點出問題點，來共同培養創作能力。
因為要記住，在創作上你只是比較好而已，永遠都不是最好；
身為領導者，在樂團的創作上，永遠要渴望著能寫得更好並看看不同聲音。
所以對於一個樂團的創作領袖，
我建議多分享自己喜愛的手法與樂團給其他團員來研究
而且要多相聚，一起在同一個空間下來討論研究不同的音樂是很有意義的。
雖然最理想的狀態是樂團內的團員都偏愛同一種音樂
但對於特定曲風的每個人喜好不同，在國內樂手又相對稀少的狀況下
不見得每一團都能找到相同音樂的愛好者來成為彼此的團員。
所以這時做為團隊創作的領導者必須在一開始就決定好明確的創作走向，
分享相關的音樂並欣賞不同團員喜愛的樂團及手法，
因為較優勢的創作領袖比較容易犯下對於自己不愛的東西產生鄙視與不認同的毛病
要記住喜好因人而異，遇到此種狀況的重點不在於逼誰或說服誰去愛上某種音樂，
而是要讓彼此著實的吸收不同音樂的資訊與差別比較去加以學習並給予尊重認同
要記住其他團員的音樂鑑別度可能跟自己不在同一個水平，
所以要用拉拔的心態而非批評才能讓大家一起進步。
第三「積極的輔助者」：
在團內編曲經驗較少的團員常出現在創作上找不到自己的定位與地位
進而產生意見以及淺在衝突。這是因為對於相關音樂曲風的鑑別度較為遲鈍，
所以會不甚理解自己的東西為什麼會在團內或被領導者給排斥在外。
這是我過去也有的經驗，而當時我偏向認為領導者太過主觀而沒有去理解我的創作概念
但隨著自己擁有更多經驗後發現，其實這種事情沒有所謂的絕對。
你的東西有可能是真的太爛、真的不適合所以被拒於千里之外；
也有可能真的是領導者看得太過主觀。
而我自己過去的狀況是因為我的東西在當時真的不夠水準，
所以讓領導者用聽起來很主觀的回應給予否定。
但我那時對於音樂創作上的鑑別度是相對落後的，
那時我自以為我寫的東西不錯。
在聽過幾個別人的肯定意見之後，
就認為自己的東西非常適合，所以被打槍之後
就開始去認為是對方太過主觀，但其實這種思考邏輯絕對是錯誤中的錯誤。
因為隨著時間過去之後我發現，其實對方有試著吸收我當時提供出的精隨部分
而那些被他拒於千里之外的東西，在我更會創作之後聽起來的確是他媽的有夠難聽。
而當初認為自己的東西好聽卻在之後非常嫌棄就是一個對於【音樂鑑別度】成長前與成長
後的差距所在。
換言之就是，
你腦袋與耳朵的搭配在某一塊音樂上面的欣賞能力輸給了別人。
而造成落差的原因當然是在於對相關曲風的研究上以及聽的經驗上
還有累積過的創作數量上彼此間有著明顯的差距。
對方花了更多更多的時間在研究同一塊東西上，自然就會培養出更敏銳的鑑別度與心得。
而這種差距是不能言喻的，一切就在耳朵與經驗法則之間，要懂得理解並追上這個落差。
所以我認為輔助者的角色更重要的是在於努力看得比團內其他人都廣，
要給自己設立一個目標去努力追上團內創作上的需求。
「要保持積極」
要比一個領導者更懂得接納他人意見，要認清自己在創作上是相對弱勢的
最忌諱的就是自己東西被打槍後就開始處於一種過度消極的態度
甚至是最後不參與創作躺著等別人寫
這超靠北，玩團就應該要讓自己一直保持 "主動" 發問於更有經驗的那一方，
並且多寫、多聽、多看、多嘗試來積極尋求貢獻創作上的進步
這時若在團內寫不出較優的東西就要試著寫出更多東西來堆疊自己的經驗，
一個樂句被打槍就該再寫十個出來看看，沒有什麼好灰不灰心的
樂團團員的目標都一定是想讓共同的創作變得更好，
難聽不適合被拒絕是應該，砍掉重練又如何
大家要一起多寫才會多進步；
而有時創作的領導者可能為了寫出更好的東西已經走火入魔了
他沒有去用多餘的心力以及正確的態度來引導其他團員
或在共同創作上多花心思做詳細的解釋
所以要記得在輔助創作的過程中
必須讓自己的發問永遠處於積極主動才不會造成創作上的溝通誤會！
呈上述，輔助創作的樂手在樂團中
必須扮演一個更積極、更輕鬆、更樂觀、更有活力更有新意而且更有動力的角色，
才不會反而自己沒幫上忙還在創作進度陷入停滯的同時跟著整團一起死氣沉沉。
創作領導者最常有的弱點就是對自己的東西太過主觀，
不然就是過度拘泥於小細節；或反之肆意放任自認完美的樂句持續存在歌曲之中
但不能否認的是他寫得東西就現階段而言是更好更完整的；
所以在團隊合作上，必須找出一個方法來補足有人在領導創作時所產生的弱點與缺失。
這時候最忌諱的就是躺著等CARRY又只會在旁邊出一張嘴說哪裡不夠好，
卻也無法實際幫上忙來寫出更讓人滿意的創作，這會變得很可笑。
所以你要試圖讓自己的創作能力保持著進步，
至少也要試著追上他的頻率，來讓樂團有辦法獲得更廣以及一致的創作視野。
不過樂團內創作程度的落差幅度因人而異，
所以我認為選擇一個專精的路線去輔助領導的人是CP值最高也是短時間內最有幫助的
因為領導者通常會能寫更多種類的樂器以及擁有更到位的音樂鑑別度，
但他一定也會有特別不給力的一塊；
譬如貝斯手處於輔助時可以研究更多符合創作的編曲，如果是某種金屬曲風，
要記住你的貝斯線不在於表現自己，而在於精而巧的把歌曲處理得更圓滑完美；
而鼓手對於grooving的整體架構較為優良完整，
處於輔助地位時可以試著勾畫出一整首鼓的主要架構來讓其他人發揮；
而主唱在輔助時也可以反過來先套旋律線給吉他手搭配和弦或其他樂句。
又如果你是吉他手又是位居輔助，可以試著將現有的吉他樂句發揮得更精緻細膩，
你可能已經有一套完整的和弦進行了，所以試著拆開他或者改造旋律線
把主奏與節奏吉他之間的搭配弄得更完美，等等的辦法來試著幫一首完整的歌畫龍點睛。
而在分工合作寫出好音樂的過程中是沒有絕對的先後順序的，多寫多聽多試就絕對沒錯。
第四「單獨企劃」：
有時候一個樂團的所有創作不見得都是偏向一個領導來搭配其他團員輔助的，
有可能是各自發展的，各自擁有獨立創作的能力又或者各自擁有完整且較擅長的手法
這時團員中各自會有自己負責的創作，
這種情況下我推薦大家應該互相搭配各自手法上的優點來讓歌變得更猛
而意見的優先順序就該變成是誰開始主導這首創作、
是誰寫出這首歌就以誰的意見為第一考量，
畢竟在寫一首歌的時候只有自己最清楚架構藍圖，
其他人要做的就是拼命地丟不同的意見給他參考，
讓他得到更多角度的同時來決定這一首歌的最後走向，
而與此同時團員間各自也有該負責的歌曲要完成。
To be continued.
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