{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_10
在前文中關於編曲的思考順序，我下了一個很偏見式的定義：『 影響一個流行音樂編曲的最重要因素，不是來自於旋律所建構的『和絃』，而是【節奏】』，而『節奏』這個概念，除了意指『Rhythm』的設計之外，它隱含的效應，是指整個音樂『Groove』的好與壞。固然在某些速度比較快、或形式比較特定的音樂(譬如 Rock style 或舞曲)，我們很容易理解『節奏』的必要性，但其實這種『注意Groove設計』的觀念，在比較舒緩或速度較慢的歌曲中，它可能還更需要仔細琢磨，才能在相對綿長的音樂呼吸中，仍然維持著一種良好的律動感、推送著音樂在時間軸上的進行。
讓我們先聽一首來自美國鄉村歌手John Denver (https://zh.wikipedia.org/wiki/%E7%B4%84%E7%BF%B0%C2%B7%E4%B8%B9%E4%BD%9B ) 在1966年發行的名曲『Leaving on a Jet Plane』～ https://www.youtube.com/watch?v=f4hsC0nRvZM
在這種非常基本的鄉村音樂『節奏』中，木吉他的根音一直在第一拍與第三拍執行著『重音』與『次重音』的穩定角色，讓John Denver的主旋律線能夠『相對』更自由地用『圓滑線』(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%9C%93%E6%BB%91%E7%B7%9A ) 或『切分音』去詮釋歌詞本身的語意情境，來構成這首優美動人的抒情傑作。
但～也來聽聽看這同一首曲子在1998年電影『世界末日』(https://en.wikipedia.org/wiki/Armageddon_(1998_film) ) 中由加拿大歌手Chantal Kreviazuk (https://en.wikipedia.org/wiki/Chantal_Kreviazuk ) 的改編版本： https://www.youtube.com/watch?v=bbt2G71uT1M
隨著音樂拍分與節奏的改變，一個原版在八分/十六分音符基底的結構，改換成帶有 Shuffle beat 的二十四分音符的色彩，搭配上整個電影情節的推演，讓這首詞意也轉換為一種憂鬱哀傷、不祥的暗示。
兩種版本，速度變了、節奏型態變了，所呈現的音樂意義也完全不同了；當然，這兩個版本在和絃的使用上也有若干的出入，但你第一個會注意到的音樂元素，仍然是來自『節奏』、或是『Groove』的差異---你會發現你的身體的『擺動』方式完全不一樣了。
也許我們可以這樣看：流行音樂的編曲，就是應該要讓聽眾在聆聽的音樂的過程中，非常自然而不刻意地，隨著音樂的節奏擺動他們的肢體或身體，因為在那樣的情境下，聽眾其實已經『融入』在你所設計的『Groove』裡，因此，其他相關的音樂資訊，可以有更好的傳達效率，來讓聽眾在更好的『環境』中，去接受整個音樂包裝的核心---『詞、曲』，所傳遞的情感，而更有效率地達成『感動』的要件。
那麼，一個『好』的節奏，應該如何被訓練而產生出來呢？我的見解很簡單：在走路的過程中用嘴巴唱出來。
[二. 關於編曲可以想想的幾件事_07] ～時間_07//Rhythm_02
很多音樂學習的初步階段，甚至在這個專頁的前面一些文字敘述，都提到了『節拍器』練習的重要性；但～我相信在開始接觸節拍器、要讓自己維持一種『恆定』的機械運動 (彈奏) ，大多數的學習者都會感到很大的挫折---至少我自己就是。一直到某一個牛角尖的深度之後，我突然意識到：其實在正常的狀態下，我的心跳與呼吸 (在不刻意的注意之下) 會維持著一種恆定的『頻率』，來維持我的生命狀態；而當我們很自然地在走路的時候 (不是急著趕上下一班捷運或什麼的時候) ，我們的步幅、步伐，也會很自然地維持著一種恆定的速率---你很少會在走路時表現出一種忽快忽慢的狀態---，其實，那就是一種『Groove』！如果我的每一個步伐都是自然恆定的，我可以將它視為一種切割時間的工具，如果我在每一個步幅中、在心中平均地默念『1、2』，我其實就是在走路的過程中練習著八分音符的『時間感』；我如果在每一個步幅中、心中平均地默念『1、2、3、4』，其實我就是在走路的過程中練習著十六分音符的時間感。
你應該都做過這種事：在學校教育過程中或是在軍訓課、部隊裡被要求學會『唱歌、答數』，其實～你已經很自然地被潛移默化學會了非常自然的時間分割，只是你沒有想過拿來用做音樂的基本訓練。一直到現在，只要我是在走路的狀態，我都會在步伐間練習著『1234、2234…』、『123、223…』、『123456、223456…』、『1x34、22x4、323x、x234…』等等這些看似無聊、但組合千變萬化的拍分切割時間感的基本訓練。我當然不是說…所以如果你徒步走完了環島一周，你的彈奏就立刻可以合得上節拍器的無情，但我可以保證的是，這樣的觀念與練習，一定可以提高你在彈奏樂器時所需要的時間感切割精準度。
那～～～怎麼去『唱』一個節奏呢？
看看這個文字敘述：『咚次搭次、咚次搭次、咚次搭咚、咚次搭次』，不論妳用多快或多慢的速度，恆定地唸出了上面十六個字，其實，你已經唱出了一個非常基礎的兩小節節奏『Pattern』！我們把『咚』看成一個大鼓的聲響、『搭』看成一個小鼓的聲響，而『次』視為一種Hi-hat會類似的高頻打擊樂器，把這個類似口訣的文字組合起來，你這一生到目前為止所聽過的流行音樂，可能有1/3以上都可以套用進這個基本的節奏pattern裡。
而這種看似玩鬧的音樂練習方式，甚至發展成一種專門的音樂技能---『BeatBox』(https://en.wikipedia.org/wiki/Beatboxing )！
高級示範版～
https://www.youtube.com/watch?v=GNZBSZD16cY
https://www.youtube.com/watch?v=v2CLjBKIjnU
https://www.youtube.com/watch?v=rGbfD4e2wRo
在這三個看起來越來越不可能的連結裡，不論這些傑出的音樂家用口唇、口腔製造出多少種的聲響、多少種複雜的節奏組合，他們對於如何讓聽眾理解當下樂段的『重音』位置的理念都是一致的。而『千里之行，始於足下』，這些高段的音樂表現，也都是從最基礎的地方開始練習的：
基礎練習篇～
https://www.youtube.com/watch?v=TwvUZZxy1-w (這個系列有四個短篇連結，可以依序觀看一下。)
https://www.youtube.com/watch?v=tR_UZj9mUL0
https://www.youtube.com/watch?v=NjLaQItQ4So
https://www.youtube.com/watch?v=9H1tncGJa6c (這三個依序的連結，我覺得非常實用！)
https://www.youtube.com/watch?v=D3-UfEuHqcg (這些『口訣』類型的資料很多，不妨繼續挖掘。)
在上面幾個基礎教學中，一樣是把節奏組先看成三個元素：大鼓、小鼓與 Hi-hat，然後來學習如何組合這些元素成為一個一個有 Groove 的 Pattern。但不論是初階或進階，Beatboxer 在呈現這些音樂元素時，都必須維持著一種恆定的時間感，然後才能去切割、用不同的聲響去建構整個節奏，並且能讓聽眾抓得到他們設計的節奏型態重音。
這類型的練習，其實在你走路的過程中就可以非常有效率地去練習！你只要能維持住恆定的時間感，你就可以自由、任意地去做各種節奏的組合變化；當你覺得『唱』出了一個很不錯的 Pattern，請立刻用你的行動裝置紀錄下來，然後回到家裡後，用Midi的方式將它們 Key 出來，成為你的音樂資料庫。
於此同時，我會非常建議你，找個二、三十首自己喜歡的流行音樂，將音樂中的節奏組也試著唱出來，一樣用 Midi 的方式紀錄下來，一方面可以擴充自己的節奏資料庫，更重要的是，可以分析別人在不同的音樂型態裡，會如何去建構他們的節奏性，找出彼此的異同點，試著想想如果是自己來重新設計，會有什麼不一樣的想法與實踐的可能。
這樣，當你拿到一個原始的歌曲Demo、需要你去做從零開始的編曲工作時，你會更有效率地『發想』出一個適合於當下旋律線的基本節奏。
對於樂器的彈奏，或是編曲的執行，無非都在追求『形意合一』的狀態：『形』，是指外在的、物理性的『操作』，它涵蓋了對於樂器硬體的瞭解與肌肉的熟悉、記憶；『意』是指所有一切內化的、化學性的心智鍛鍊，總其名，可謂之『想像力』。容我再次引述 Steve Vai 先生所提到的『練習(鍛鍊)你的想像力』這句話，因為，在音樂學習的道路上，唯一會阻止你進步的，就只是你『停止』了想像。
共勉之。
